下面就是小编给大家整理的巴洛克时期的钢琴音乐论文，本文共14篇，希望您能喜欢！
摘 要：巴洛克时期在西方音乐的发展史上占有很重要的地位。
它为后来的钢琴音乐风格打下了坚定的基础。
阐释了巴洛克的概念，通过对巴洛克时期音乐创作，音乐风格，音乐体裁和音乐奏法上来论述巴洛克时期的音乐特征。
关键词：巴洛克 音乐特征
17世纪到18世纪上半叶的音乐发展时期，被称为巴洛克时期。
巴洛克音乐是指在文艺复兴之后兴起的，在之后很长一段时间流行的音乐，是通向古典音乐的桥梁。
巴洛克(Baroque)一词来源于葡萄牙语“Barocco”，意思是形态不够圆或不完美地珍珠，最初是建筑领域的术语，一复杂迂回的曲线形状，夸张地纹样形式和华丽的造型去表现动感和情调。
后逐渐用于艺术和音乐领域。
如果把文艺复兴的美学规则比作浑圆的珍珠，那巴洛克的美学规则就是形态不规则的珍珠，这也是为什么用巴洛克这个词语来形容这一时期，。
它反对文艺复兴时期的庄严、四平八稳、统一协调的艺术风格，崇尚奇特精雕细镂的风格。
巴洛克时期的音乐在这一时期得到了迅速发展，推进了整个西方音乐发展的历程。
器乐曲和声乐曲同时得到了发展，特别是古钢琴在这段时期得到了很大的提高和发展。
为钢琴之后的发展奠定了基础。
巴洛克时期，贵族掌权，乐师都为宫廷、教堂服务，他们所创作出的绝大部分的作品是为了取悦上流社会。
而宫廷音乐在这段时期占最主要地位，为了显示宫廷的富丽堂皇、贵族的奢华，宫廷乐师创作出的音乐都有着精致细腻和华丽的风格。
这一时期崇尚的美学观点是“情感论”，即音乐的目的在于直接引起听众或观众特定的情感，所以作曲家普遍强调作品的情感起伏，使用各种不同的创作手法、创作方式来表现不同的情感状态。
例如自然 音阶、大调式、简单的织体引起欢快的、向上的感情，而半音音阶、小调式、复杂的织体带来忧郁的、深沉的感情;大音程使人欢快，小音程使人忧伤;刺耳的和声配上急促的旋律可能引起愤怒，把几个高度独立的旋律作对位化的结合时使人固执。
而由于更多对音乐的需要和更多对情感的需求的出现，已有的音乐体裁已不能满足其要求，因此音乐作品中出现了许多新的曲式体裁，比如陆续出现了如托卡塔、前奏曲、幻想曲、奏鸣曲、协奏曲、组曲和赋格等重要体裁。
其中很多体裁在之后的时期不断地发展、演变，成为了经典的、成熟的.体裁形式，至今仍在使用。
而在作曲手法上，由于古钢琴的发展和改进，作曲家更加可以不断创造新的表达方式来表达自己所需的情感，如在旋律中加入大量装饰性的音符，节奏强烈、短促而律动，旋律精致、跳跃且持续不断。
作曲家们也开始使用节奏、旋律、调式、音色的变化和对比来引导听众们的感情。
这时乐谱中开始引入速度、力度的标记，但划分并不精细，而且同一速度一般贯穿一个乐章的始终。
这段时期复调音乐占据主导地位，大小调取代了教会调式，同时主调音乐也开始逐渐发展，但宗教音乐在西洋音乐中仍然占有很大的比重。
在奏法方面，巴洛克时期的作品总体说来，速度中庸，音乐平衡、庄严。
由于古钢琴音量非常小，钢片拨弦有局限性，所以力度上没有很大的变换，只是采用音区式力度和阶梯式力度，不能做渐强、渐弱起伏的变化。
和声上以复调音乐为主，产生了对位法，即在大小调式的基础上吧不同的旋律线条按一定原则组织起来，不仅要求横向线条独立，同时还要注意纵向的和声关系。
复调音乐史多层面、多线条、多重性的复杂思维，在声音上重视每个音的触键，不但每个音符要有良好的音质，同时还要注意每个线条的歌唱性。
奏法上也非常讲究。
当时古钢琴演奏强调表现力时靠奏法和装饰音，通常有两种奏法，即连奏和断奏。
在奏法上基本有两种基本原则1、音阶性-级进的音弹成连奏，三多以上的音处理成断奏2、八分音符弹成断奏，十六分音符弹成连奏。
装饰音是为了使旋律更美，更富趣味性，同时也是为了弥补当时古钢琴的局限性而大量出现的一种记法。
在演奏上有很大争议，如颤音是从这个音的上方音开始的，装饰音必须在拍子上开始。
古钢琴没有踏板，在现代钢琴上演奏巴赫等人的作品时可以尝试用一点踏板，以模仿古钢琴的音响，但一定要慎用，不要将踏板踩得太深，也不要将踏板踩得时间过长，以保持复调各声部的清晰。
在弹奏方法上，强调手指的单独弹奏，保持固定的手型与平静的手腕，后来转变为一种轻而浅的触键方法。
巴洛克时期最著名的古钢琴作曲家有法国的库普兰，拉莫，意大利的斯卡拉蒂，德国的巴赫，亨德尔。
但最具代表性的人物就是巴赫，他代表了巴洛克音乐的顶峰。
巴赫创作以复调手法为主，构思严密，感情内在，富裕哲理性和逻辑性，并在德国民族音乐的基础上，结合和吸收了当时流行于欧洲各国的音乐风格与形式，把巴洛克的音乐发展到了新的高度。
巴赫最突出的成就是把十二平均律运用到创作中，大大推动了键盘音乐的发展。
巴赫的作品不仅数量上浩如烟海，而且质量也很高，既有十分简洁而极有个性的主题，又有丰富的想象和强烈的表现，以及异常完美地音乐技巧。
主要作品有：200多部宗教及世俗“康塔塔”、若干部宗教《受难曲》、《平均律钢琴曲集》、《创意曲集》、《勃兰登堡协奏曲》及《赋格的艺术》等。
巴赫成为了巴洛克音乐的一个辉煌的终点，也为后来西方音乐的创作提供了重要的贡献。
因此，巴赫被世人称为“西方音乐之父”。
参考文献：
[1] 《巴洛克时期的音乐特征》——刘湘，科技信息
[2] 《巴洛克时期、古典主义时期、浪漫主义时期、近现代钢琴演奏风格比较》——吴英莲，锦州师范学院学报
巴洛克时期钢琴艺术风格的特色【2】
摘要：巴洛克时期是西方音乐的萌芽时期，乃至近代音乐文明的催生时期，在世界艺术发展史上具有重要的里程碑作用，这一时期的钢琴艺术风格特色可圈可点，值得细细品味。
关键词：巴洛克时期 钢琴艺术 风格特色
巴洛克时期是从公元16到公元1750年的150年时间，巴洛克时期是西方音乐史乃至世界音乐史发展历程中的重要时期，代表着一种艺术风格。
“巴洛克”源于西班牙语，译为汉语的意思是“变形的珍珠”，代表了与过去迥然不同的意思和别开生面的意味。
巴洛克时期正值西欧社会由封建主义向资本主义社会过渡时期，根深蒂固的封建社会虽然在这一时期已经摇摇欲坠，但当时的封建君主影响力还残留，皇权的威严还有市场，所以，此时的音乐艺术仍然在一定程度上为封建统治阶级服务。
因而，巴洛克时期的钢琴作品尽管从艺术风格的特点上有了恢弘大气、神圣庄严的重大变革，但在内容上，尚未脱离以皇室生活，重大的社会历史事件和神话传说为题材。
?这一时期的自然科学在欧洲发展迅猛，天文学、物理学、数学等科学定理的发现使人们前所未有地认识到宇宙的秩序之美和均衡之美。
所以反应宇宙的秩序和均衡之美成为当时艺术家争相追捧的创作潮流。
同时，接踵而来的启蒙运动，又引领人们崇尚理性，追求严谨和秩序，这一切又造成了这一时期的音乐作品在宗教神学和皇权的外衣下，表达着艺术家对个人享乐和精神满足的诉求。
一、节奏严谨平稳、律动周而复始
启蒙运动带来的理性之风影响到当时社会的方方面面，钢琴艺术创作同样受到了影响，理性信仰至上的思潮带给钢琴艺术创作以突出的结构严谨规整的艺术风格。
其中，巴赫的作品最有代表性。
他的作品的主基调从始至终都保持在一个基本的节奏之上，仿佛一直在叙述和沉思着什么，不再具有浪漫派的自由奔放、速度时快时慢的节奏特点。
但是，作为钢琴艺术又决不能总是处于同一风格的基调上，那样，艺术的魅力将无从实现。
在中外艺术史上，凡是杰出的艺术家都有自己鲜明独特的风格，这种风格体现在其全部创作之中，体现在其作品的内容与形式等各方面，使其具有独特的艺术魅力。同是德国音乐家，巴赫的风格与贝多芬的风格截然不同，同是意大利文艺复兴时期的著名画家拉斐尔的画风与达・芬奇的画风的迥异可以说是一目了然。
艺术风格体现出艺术家的创作个性，艺术流派则体现出风格相似或相近的艺术家们的共性。在近代文艺史上有过重大影响的流派主要有古典主义、浪漫主义、现实主义、自然主义等。下面笔者谈一谈浪漫主义时期钢琴音乐的风格特色。
19世纪（1830―1900年）的音乐，常被称作浪漫主义音乐。这个世纪是情感宣泄、多愁善感的世纪；是和声极度多样发展的世纪，是曲式结构大胆创新的世纪；也是音乐大师层出不穷、钢琴音乐发展到巅峰的世纪。
在19世纪初，钢琴的使用已很普遍，它的音响比以往的大键琴更有效果，尤其是踏板装置的增加，又为钢琴增加了一项新魅力，它使和声美妙地混合，产生了不可思议的色彩感，更能表达出浪漫的气氛。钢琴不仅仅成为一件独奏乐器，还进入室内乐的范围，从而吸引无数的作曲家和演奏家，它们使钢琴尽可能地表现以柔情的情绪到宏大的篇幅，使钢琴的技巧和表现都达到从未有过的高度，而此时作曲家兼演奏家是非常普遍的现象，又形成了明显的演奏风格。
“浪漫主义”与“古典主义”是相对的。“浪漫主义”的风格特征是个人主义，尚情感、重主观、尚新奇、重民族情。在这种观念下，浪漫主义的音乐在形式和技巧上虽承自古典乐派，但内容上都大有差异，古典乐派的音乐是超民族的、超个别性，着重在抽象的观念，只求表现“美的`理想”，而较少宣泄人类产生的感情，浪漫乐派的音乐则是自由奔放，形式上无拘无束，喜用抒情和描写，民族民间因素大大增加，标题性也很强，与大自然密切结合，表现出强烈的个性和民族性。
一、19世纪浪漫主义乐派的作曲家对钢琴音乐风格产生重要影响
19世纪浪漫主义乐派的作曲家对钢琴音乐风格产生重要影响的作曲家有贝多芬（晚年）、舒伯特、舒曼、门德尔松、肖邦、李斯特、勃拉姆斯等等。
贝多芬是个重要的转折点，这位伟大的巨人一脚跨在古典主义，一脚跨在浪漫主义，他是沟通两个时代的桥梁。他的作品106第三乐章第二主部已经预示肖邦夜曲风格的先声，他的作品111第二乐章的第三变奏也隐现了“爵士”节奏的特征。
舒伯特则是纯粹具有浪漫主义精神的第一位作曲家，他的作品渗透的发自肺腑的抒情性格，直接开创了浪漫主义时期最主要的风格特点。舒伯特的钢琴作曲如《音乐瞬间》《即兴曲》等具有与大型作品（如奏鸣曲）同等重要的价值，这种单乐章的中小型曲体成为浪漫主义时期十分普遍的音乐曲式结构。
如果说从舒伯特的音乐中，我们感受更多的是他内省性的自我对话，那么从肖邦作品中，我们可以感悟到作曲家内心与别人的对话，肖邦的钢琴音乐仍是最纯粹的键盘思考后的产物。他的音乐只有在钢琴上才能发出他想要的声音。肖邦对钢琴音乐的贡献，一是他对这种乐器的性能从各种角度去重新观察；二是在作品的创造过程中，不断探索钢琴音乐的新的可能性，如双手节奏的复杂组合、大胆的不谐音响，以及巧妙的转调引出的色彩变化等等。
舒曼是另一位杰出的浪漫主义风格作曲家，他那具有非常创造性的钢琴作品为钢琴文献增添了宝贵财富，其最杰出的贡献是性格化的套曲或小曲，如《童年情景》《蝴蝶》等，他使用了快速和声节奏、不寻常的踏板效果、切分及交叉节奏、变化多端的伴奏音型等一系列有意义的探索性技法，对其浪漫主义作曲家产生了深刻影响。
李斯特不但创造了“交响诗”的结构形式，推动了奏鸣曲式之后音乐形态的发展，还创造了具有鲜明匈牙利民族气质的大量作品，他的钢琴音乐与肖邦、舒曼一起达到了超群绝伦的高峰。可以说，他在另一方面使钢琴的表现力扩大了；而肖邦是在色彩的表现上为钢琴增添了许多音的音质。他尽可能地把一切先进的因素引入钢琴音乐中，使钢琴技巧发挥得淋漓尽致。而且他晚年的音乐语汇，事实上开创了通向诸如印象主义、十二音体乐系等20世纪前半叶的现代音乐之路。
19世纪下半叶，钢琴技艺发展仍遵循着肖邦、舒曼、李斯特的道路，在浪漫主义音乐语汇上没有太大变革，但各种民族主义因素的增长成为该阶段另一段特征。勃拉姆斯就是一位杰出代表，他的钢琴作品仍能够以特有的内在深沉的情感力量打动听众的心灵。他的钢琴织体一般比较乐队化，不同于肖邦充满诗意的浪漫情调和李斯特光辉灿烂的弦技性格，往往是充满勃拉姆斯式的深厚宽大的和弦。
二、浪漫主义时期钢琴音乐的风格特征
19世纪钢琴作为乐器中最具表现力的“王者”，在它诞生100年后，达到技巧和艺术的最鼎盛时期。
1.浪漫主义时期的钢琴技术发展到了鼎盛时期，音乐具有绚丽、艰深的技巧
这个时期的钢琴制造业获得了质的飞跃，钢琴音乐域扩大到七个半八度，使钢琴的表现力大大提高，从此，钢琴登上了“乐器之王”的宝座。同时，钢琴领域涌现出一批超级炫技大师，音乐会性的“练习曲”也代替了纯技术性练习曲，钢琴演奏技术包括八度的大量运用，连续饱满的大和弦，开放排列的各种琶音，音阶、半音阶以及各种音型组合方式的华彩经过句，各类组合双音，托卡塔式的双手交叉，远距离跳跃，尖锐短促的快速跳音，闪电般的刮奏，雷鸣般的震音，快速的各种重复等等。眼花缭乱、辉煌壮丽的钢琴技巧发展到了前所未有的顶峰时期。
2.表达、传递、流露、强化个人的情感成为浪漫主义钢琴音乐的本质
浪漫主义音乐突破了循规蹈矩的古典风格，形式上无拘无束，情感自由奔放，强调浓厚的个人思想情感，偏重幻想和夸张的手法。梦幻般的诗意和火热的激情是这一时期钢琴音乐的显著特点。对大自然景物的描绘越来越多，远离城市的喧嚣，在大自然中寻求宁静和解脱。浪漫主义时代成为一个彰显个性、情感膨胀的时期。
3.标题性成为浪漫主义音乐的一种重要倾向与特征
浪漫主义作曲家多半聚集在包括画家、诗人、文学家在内的艺术沙龙圈子内，他们彼此影响激发灵感，促使音乐走向直观、诗化，呈现出文学化倾向，用各种文学标题来揭示和启发音乐内涵。同时，不同民族的作曲家追求着各自的民族、民间特色和情趣，体现出雄浑的民族精神和个性特征。
4.浪漫主义的体裁和表现手法丰富多样，各具特色
音乐形象鲜明，旋律自由舒展，富于歌唱。和声极为丰富，织体稠密多变，节奏组合别致。速度和力度的变化幅度很大，甚至达到了夸张、极端的地步。为了表达更丰富饱满的情感内容，这个时期的声音概念产生了巨大的变化。同时，这个时期的钢琴在机构的灵敏程度上为各种音量和音色的变化与对比提供了可能。
5.发掘钢琴音响和音色的变化
演奏浪漫主义音乐最复杂而又最微妙的特征就是对弹性节拍的运用和表现了，这是演奏者音乐感觉和音乐修养的体现，也是音乐节奏律动的脉搏、呼吸、张弛与松紧的鲜活运动，虽然有一定的规律可循，但更多的是靠演奏者良好的乐感与灵敏的悟性。浪漫主义音乐的踏板使用也更复杂、更精细，根据和声、旋律、色彩、节奏等多种要素，可以使用延音踏板（包括长踏板、浅踏板、模糊踏板等）、音前踏板、强音踏板、弱踏板和持续音踏板等，极大地发掘了钢琴这件乐器音响、音色变化的可能性。
6.开启“琴人合一”的演奏新理念
浪漫主义时期技术发展到极其辉煌的程度，力度也向两极大大扩张，歌唱性乐句音色浑厚，气息绵长，从指尖到全身所有部位的力量无所不用其极。钢琴指触的部位、方向、速度、深度有着丰富多变的组合可能，摸、抓、推、击、揉、摁、勾拨等等，开启了指、腕、肘、臀乃至全身的“琴人合一”的演奏新理念。
总之，浪漫主义钢琴音乐时期是音乐大师层出不穷的时期，他们使钢琴的技巧和表现都达到从未有过的高度，浪漫主义风格的音乐，在自由奔放的形式上无拘无束，喜用抒情，描写民族民间因素大大增加，标题性也很强，与大自然密切结合，表现出强烈的个性和民族性。其创作思想和技法对后来西方各个时期的音乐产生深远影响，对今后的钢琴教学，如何更好地认识和理解浪漫主义时期钢琴音乐的创作具有重要意义。
参考文献：
[1] 高等艺术院校《艺术概论》出版组.艺术概论. 文化艺术出版社，1983.2.
[2] 王朝闻主编.美学概论.人民出版社，1983.
论巴洛克时期器乐的发展论文
从大约16(也有人认为从1580年前后)到1750年这一个世纪，在西方音乐史上被称为巴洛克时期。和我们对任何时期的划分一样，对这个时期划分也是相对的。因为巴洛克音乐的一些特征虽在1600年以前(文艺复兴晚期)就已经出现了。而有些特征虽然在1730年以后就开始逐渐衰落，却残存于1750年以后的前古典主义时期。我们之所以巴洛克时期限定在这150年左右，首先为了研究和学习上的方便，其次是因为这个时期的音乐的确也存在着一种内存的风格上的统一。
下面主要讲一下器乐在这时期西方一些国家的发展以及特征。
意大利的器乐
这个时期，在意大利各种不同体裁演奏的器乐获得了广泛的发展，在亨德尔和巴赫作品出现以前，意大利一直是局于欧洲音乐发展中最先进的地位，意大利作曲家创作了新的器乐类型：室内演奏，大协奏曲，小提琴协奏曲，古钢琴音乐和管风琴音乐的发展比较小，意大利器乐具有一系列的新风格特点：主调一和声写法占主要地位，横成线体中的一个因素，或运用模仿的写法，成为赋格式风格，就是这种风格很像赋格。这时期的器乐的特征是技巧性，独奏性的因素很发达，技巧性因素的体现者仍然是弓弦乐器。这时器乐的主题材料非常新颖，与前一个时期的复调音乐比较起来，新的器乐体裁的特点就是主题非常鲜明，器乐的主题是在舞蹈体裁，歌剧和部分的复调音乐的影响下形成的。在意大利最具有代表性的作曲家是多米尼科，斯卡拉蒂。
多米尼科-斯卡拉蒂(Domenico Scadatti，1685～1757)为键盘音乐做出了非常大的贡献，他为键盘乐器大约写了555首，是键盘乐器史上留下宝贵的财富。
在结构上，斯卡拉蒂的奏鸣曲虽然仍用二部曲式，但已稍同于典型的巴洛克二部曲式了，他更多地开始运用再现的二部曲式，虽然在这里还没有出现独立而完整的再现，但已有明显的再现因素，特别是有些奏鸣曲的第二部分的开始处已具有展开性，这就使作品的结构更加接近古典奏鸣曲式。因此，斯卡拉蒂的.奏鸣曲的结构实际上已经是古典奏鸣曲式的萌芽。
英国与法国的器乐
在17世纪初，在英国古钢琴音乐得到了很大的发展。其中最有代表性的作曲家是帕赛尔，他对英国器乐的发展有很大的贡献。他写了大量的变奏曲，并且改编了许多民歌和生活歌曲的旋律，他的古钢琴音乐作品是英国古钢琴音乐的最高典范，这些作品以艺术上的细腻而突出。帕赛尔是英国作曲家中唯一的一个在室内器乐方面写了值得注意的典范作品的作曲家。特别是他写了许多“三重奏鸣曲”，这些奏鸣曲是非常有意思的，并且包含了帕赛尔的一切创作特点：抒情的表现力，旋律性，丰富的和声，充分发挥了乐器的可能性。
法国主要是讲古钢琴音乐，音乐法国作曲家们在古钢琴方面有很大的贡献。在17实际末出现了鲁库泊蓝(louis couperin,1626－1661)和其他几位作曲家(如玛尔商 louismarchand,1669－1792、达坎louis claude daauin,1694-1772)。法国的古钢琴是室内艺术，是宫廷贵族沙龙艺术。它是在这种环境里产生发展起来的。这种艺术是精美细致的，有很多程式化的因素，大自然的形象，农村生活风俗的情景是以田园诗的色彩来捕绘的。在法国古钢琴音乐的作品里装饰音七折八扣很大的作用，旋律里装饰着颤音，回音，波音，倚音等等。必须指出，在这种艺术里是有着相当程度的民族基础的，这一点表现在有本民族的风景形象，描绘了日常生活的情景，运用了民间的体裁，虽然对这些东西的表先都以贵族化了，法国古钢琴体裁基本上是小品。
德国的器乐
器乐在17世纪德国音乐历史中具有很重要的意义，虽然17世纪还没有出现很卓越的作曲家。但是它给具有世界艺术意义的作曲家(巴赫和亨德尔)的出现准备了基础。下面主要讲一下古钢琴在德国的发展。谈到器乐自然回想到伟大的作曲家巴赫，在巴赫的创作中，复调音乐风格达到了高度的发展。巴赫的艺术富于高度的。深刻的哲理意味，具有极其强烈的戏剧性和非常丰富的抒情性。
约翰·塞巴斯蒂安·巴赫(Johann Sebastion Bach,1685-1750)出生于德国中部图林根地区的一个著名的音乐家族。
巴赫的器乐以钢琴音乐为最重要。巴赫的钢琴音乐，体裁形式非常多样，但根据写法的不同大致分为5类：(1)舞曲；(2)前奏曲；(3)赋格；(4)即兴曲；(5)协奏曲。
如上所述，器乐音乐在巴洛克时期在西方不断得到发展。这个时期是一个充满各种探索和实验的复杂时期，由于复调、舞曲、变奏、即兴曲等等因素的各种不同程度，不同方式的结合，产生了不同的体裁。有些体裁只被运用一时，有些体裁则具有较强的生命力，不断得到发展，在这个时期不仅器乐的体裁形式逐渐固定下来，而且器乐乐曲的风格也逐渐形成。
以意大利、英国、法国、以及德国为中心的作曲家门对于这时期的器乐发展做出了很大的贡献。他们在发展器乐音乐艺术的过程中所积累的丰富的经验。为古典主义艺术创造提供了基础。
[摘 要] 巴洛克音乐风格的研究在西方音乐史中占有非常重要的地位，而维瓦尔第是巴洛克时期著名的小提琴家，他对巴洛克音乐风格的巩固和发展作出了突出的贡献。
《a小调协奏曲》第一乐章是一首典型的巴洛克音乐风格的作品，此曲无论在音乐主题发展、节奏旋律力度等方面对研究巴洛克音乐风格都具有特殊的地位。
通过对巴洛克时期一部代表性音乐作品多方面的分析，让更多的人了解巴洛克时期的音乐风格，并且在最后还特别提到培养人们欣赏巴洛克音乐的方法途径，从而更好地推动巴洛克音乐风格的延续与发展。
[关键词]巴洛克音乐风格 《a小调协奏曲 》第一乐章 延续与发展
巴洛克音乐充满了活力，宏伟壮丽，表现了17至18世纪上半叶欧洲社会勇于探索知识，勇于塑造新世界的精神。
巴洛克艺术代表着一个时代的精神，西方史学家称这个时代的艺术是“先知的号角”，巴洛克音乐则是这个号角最直接的声音了。
维瓦尔第所处的时代属巴洛克晚期，这个时期器乐表现形式发展迅速，上升到与声乐同等重要的地位。
这时，小提琴音乐的发展尤为迅猛，协奏曲的演奏定型很大程度上完成在维瓦尔第小提琴协奏曲上。
《a小调协奏曲》第一乐章是维瓦尔第数百部小提琴协奏曲中极少的而现在仍在演奏的曲目之一，这首协奏曲完全可以视为巴洛克音乐风格的代表，巴洛克音乐的一切特点它都具备。
一、巴洛克音乐风格的概况
(一)巴洛克音乐风格的产生
文艺复兴时期的艺术讲究清晰、统一和协调，但至16世纪末期，艺术中感情的因素日益增加，明净清澈和完美的形式被表达感情的需要所压倒。
于是，巴洛克风格应运而生。
(二)巴洛克音乐风格的特点
1.巴洛克时期音乐的旋律乐句长度不一，气息较长，无论是声乐还是器乐，旋律都空前地华丽复杂，有相当多的装饰音和模进音型，曲调的进行常常带有形象化、象征性特征。
巴洛克时期音乐的节奏主要分为自由节奏和律动鲜明、规整的节奏。
这两种节奏常常搭配使用，如宣叙调与咏叹调，前奏曲(或托卡塔)与赋格。
2.巴洛克音乐采用大小调体系，它已取代了过去的“教会调式”。
巴洛克时期的曲式以相互间形成节奏、速度、风格对比的多乐章结构为主，复调乐曲的内部结构是以模仿手段写作的连续体(不分段)，但可看出明确的呈示、发展和再现因素。
3.巴洛克时期音乐的情绪在一个乐章之内保持一种基本情绪，在乐章与乐章之间形成对比。
巴洛克时期音乐的力度不追求渐强和渐弱的细微变化，而是采用较为清晰的“阶梯式力度”。
二、解析《a小调协奏曲》第一乐章
(一)作曲家简介
维瓦尔第昵称红发神父，是一位巴洛克音乐作曲家，同时还是一名小提琴演奏家，其最著名的作品为《四季》。
他的音乐天才启迪了后来的巴洛克大音乐家，尤其是他丰富的作品和新颖的、科学的歌剧创作方法，刺激了现代意大利作曲家的好奇心。
维瓦尔第的作品不胜枚举，现存有近500部协奏曲、90首独奏和三重奏鸣曲、49部歌剧及许多康塔塔、经文歌和清唱剧等，但对后世影响最大的还是他的协奏曲。
维瓦尔第首创了小提琴协奏曲体裁。
作为卓越的小提琴家，他发展了小提琴的演奏技术(高把位、快速音阶、持续的琶音、双音、拨奏等)，丰富了小提琴的表现手段(加弱音器、弓法的变化)。
(二)此曲的历史文化内涵
《a小调协奏曲》第一乐章具有典型的巴洛克音乐风格。
巴洛克时期经历了欧洲史上动荡的一个半世纪，这个时期差不多从1600年歌剧的诞生到1750年巴赫的逝世结束。
这是一个变革和冒险的时代：对新大陆的征服激起了各种想象，并为旧大陆开辟了新的财源;中产阶级在与贵族的斗争中积蓄了财富和权利;帝国为争霸世界而战争;令人震惊的贫困和挥霍无度的奢华，高贵的理想和野蛮的压迫形成了对立矛盾。
诸如此类的矛盾使得巴洛克艺术宏伟壮观。
这种艺术在造型和观念上都是大胆的，它雄伟，富于装饰性，充满了活力。
巴洛克时期的欧洲，除了英国等少数国家确立了君主立宪制的资产阶级专政以外，大部分国家(德国、意大利、法国等)和地区还处在黑暗、腐朽的封建专制社会。
苦难往往滋生宗教。
为了争夺传教阵地，天主教与基督教的对抗一直延续到17世纪。
18世纪中叶，启蒙主义者举起理性的旗帜，用科学知识向宗教神学宣战。
自中世纪以来，宗教艺术一直占统治地位。
直至文艺复兴时期，世俗艺术才得以发展。
巴洛克艺术家不仅受雇于教堂、宫廷，也乐于为有钱的人效劳。
他们的作品不仅宣扬宗教的神圣，歌颂王朝的之尊，也描绘世俗生活的快捷，抒发人性之美;既宏伟辉煌，充满神秘气息，又精巧细腻，抒发内心情感。
新教的文化植根于圣经，更加突出人的.地位，这无疑使巴洛克艺术增添了人文精神和浪漫气息;反宗教改革运动引起了狂热的情绪，又促使艺术创作的手法更为夸张，作品更具有动势和戏剧性;启蒙思想崇尚自然，追求生活中的惬意与心灵的解放，因此许多艺术家都喜欢以自然为题，作品情景交融，装饰性较强。
(三)此曲对研究巴洛克音乐风格的代表性
《a小调协奏曲》第一乐章是一首典型的巴洛克音乐风格作品，采用小调式取代原来的“教会调式”。
此曲在音乐主题的重复发展、连续不断的旋律、阶梯式力度等方面把巴洛克音乐追求的宏大的规模，雄伟、庄重、辉煌的效果表现得淋漓尽致。
1.调式调性
此曲是一首a小调协奏曲，旋律优美，在情绪的层层变化中透出小调的柔和。
2.单一的音乐情绪
谱例1：
谱例2：
谱例3：
《a小调协奏曲》第一乐章采用弱起小节。
从乐曲一开始就出现了音乐主题(如谱例1)，独具特色的节奏和旋律不禁让人产生紧张、辉煌的情绪;在乐曲的中间，紧张、辉煌的音乐主题再次出现(如谱例2)，再一次达到乐曲最初兴奋紧张的感觉，以此引起听众的注意，抓住听众的心理，从而推动乐曲的继续发展;乐曲最后，相同的音乐主题又一次出现(如谱例3)，让听众在回味和幸福中结束乐曲. 正是因为主题的重复出现，听众才得以感觉自己参与乐曲的始终，兴奋紧张的情绪一直伴随着自己，为此油然而生一种身临其境的感觉，而作曲家也达到影响了听众，指引听众积极生活的目的。
这正是巴洛克时期音乐的显著特点。
3.规整的音乐节奏
谱例4：
《a小调协奏曲》第一乐章从乐曲一开始，音乐主题就伴随着典型节奏而出现。
全曲是由八分音符和十六分音符组成的节奏型来发展的，其中以连续的前八分音符后八分音符和连续的前八后十六音符的同时出现组成的音乐主题为主要推动力;中间十六分音符组成的四连音(如谱例4)又推动了乐曲一步步地向前发展。
听众也因此产生源源不断的力量，情绪达到一个个的小巅峰，不会产生厌倦的情绪。
4.连续的旋律
谱例5：
谱例6：
音乐上连续扩展的原则是构成巴洛克音乐风格的要素之一。
《a小调协奏曲》第一乐章利用主题的重复出现，一次次地调动听众的紧张情绪，在吸引听众中发展此曲;全曲不仅利用极具特色的前八后十六动力型节奏，还采用均匀的四连音节奏型，在动与静中发展此曲;在弓法上大部分采用分弓，增强了气势，连续的小连弓又增添了旋律的对比性，更好地丰富了乐曲。
5.阶梯式力度
巴洛克音乐强调音乐的起伏变化。
巴洛克音乐在进行时采用一个相当稳定的音量，一个始终响亮的乐段后面跟上一段始终低柔的乐段，以此造成明暗对比的效果。
这种从一个响度到另一个响度的转换叫阶梯式力度。
巴洛克作曲家则把弱音乐段与强音乐段的对比，也就是声音响度的两个阶梯的对比当做主要的表现手法，每一个乐段形成一个固定的色彩区域，用以衬托另一个乐段。
根据这种观念形成了音乐结构，赋予巴洛克音乐一种极为朴素的性质。
巴洛克作曲家所使用的表情记号要比后来的作曲家所使用的少得多，这个时期的音乐作品只是偶尔标注一个强奏或弱奏记号，而让演奏者去补充其他任何可能必要的记号。
《a小调协奏曲》第一乐章无处不显现出这种阶梯式力度的发展(谱例4和六种就可以充分地显现出)，使乐曲在动静中一步步地向前发展。
从全曲的谱面上可以看出此曲几乎没有音乐术语的标记，这一点正印证了在巴洛克时期人们追求自由的精神面貌。
三、如何推动巴洛克音乐风格的延续与发展
理想的学习状态最关键的是学习者要先深呼吸，然后再听巴洛克音乐，这种特别的音乐，其特定的每分钟50―70拍的节拍能帮助学习者身心放松。
科学家们发现巴洛克音乐能使人的身体和头脑和谐一致，特别是它能打开通往各超级记忆的情绪通道即大脑的边缘系统。
这个系统不仅仅主管我们的情感，而且是意识和潜意识之间的联结。
巴洛克音乐的关键作用是使人们能处于一种放松的状态，使我们能够集中精力学习。
音乐可以使新的信息进入人们非凡的记忆系统中。
科学家声称这种音乐记忆方法可以帮助学生在5%的时间中完成60%的学习任务。
古典音乐具有独特的魅力和艺术价值，特别是巴洛克时期的音乐。
经常欣赏一些古典音乐，可扩大人们的音乐眼界，有助于养成开朗的性格，心情放松。
欣赏方式有：1.为欣赏巴洛克音乐打下基础，所以平时更要注意丰富这方面的知识。
成人要多看一些古典音乐会的图片，听一些古典乐器演奏的声音，可以去买专门的磁带或光盘，如果有机会可以现场欣赏巴洛克音乐专场音乐会。
2.欣赏古典音乐，应该注意方式方法，欣赏之前，我们可以把音乐作品的名称、主要内容进行简要地查阅。
作为家长可以将故事结合图片讲给孩子听，帮助孩子欣赏音乐的时候有一定的心理准备，能随音乐作品所表达的内容产生一定的联想。
3.作为孩子可以边听音乐边做动作。
孩子在欣赏巴洛克音乐时，常常出现各种面部表情或身体动作，这是孩子表现内心感受的一种方法，这样可以帮助孩子加深感受。
4.乐海正像书海，都让求知者望洋兴叹。
若要在有限的时光里享受真正古典音乐作品，漫无选择是不明智的。
家长在选择音乐时可以先从巴洛克名曲入手，建议从维瓦尔第的器乐作品开始，例如《四季》《海上风暴》《愉悦》《狩猎》及《a小调协奏曲》等。
在日常生活中要尽量增加欣赏古典音乐的次数。
相信不久巴洛克音乐爱好者会频频出现。
另外教师教授音乐也是促进巴洛克音乐发展的重要途径，要求教师在教授巴洛克音乐时要积极地引导、启发学生，用自身去更好地影响学生，培养更多的巴洛克音乐爱好者。
当前，随着经济文化全球化的发展，我们精神文化需求将越来越高，进而拉近了与西方古典高雅艺术的距离。
然而，小提琴作为世界上最优美的乐器，它终将以完美的音色、丰富细腻的感情征服每一个音乐爱好者。
近来，随着国内音乐家对西方音乐的深入研究，巴洛克音乐辉煌、理性的音乐形象在众人脑海中将越来越清晰。
维瓦尔第是巴洛克时期最著名的小提琴家，他对协奏曲的发展和小提琴演奏技术的提高做出了突出的贡献，他的其他优秀的小提琴协奏曲作品也将进入人们的生活，伴随并影响着人们。
[ 参 考 文 献 ]
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浅谈爵士钢琴音乐论文
一、爵士钢琴音乐中国的发展
（一）爵士钢琴音乐的业余式发展
在我国的业余爵士钢琴音乐教学中，慢慢的形成了以巴赫等名家的作品为练习。由于从爵士钢琴起源上的“必弹”要求，造成了大众对于爵士钢琴音乐的审美疲劳。近年来，随着流行音乐的普及，我国大力的引进了篇幅较小但是充分的集节奏性、音调性和和声性为一体的非名家作品，一方面提升了业余演奏者的弹奏技巧，另一方面也增加了练习的趣味性。
（二）爵士钢琴音乐的专业式发展
由于爵士钢琴音乐节奏感强，大多数的学生对其热度一直很高，但是与此不相匹配的是我国仅有10所将爵士钢琴音乐列为学习项目的专业音乐学院。同时，学校多以西方古典音乐为考试的重点项目，无论是考试要求还是教学大纲都突出了西方古典音乐占有的地位。对于爵士钢琴音乐仅仅作为一个可有可无的存在，造成了音乐教学的“一元化”，学生缺乏对爵士钢琴音乐的系统学习，对其认知出于起步状态，远远不能满足现有音乐“多元化”对学生的要求。
二、爵士钢琴音乐在中国的发展策略
（一）爵士钢琴音乐教学的师资力量
在爵士钢琴音乐的教学课程中，教师是极为重要的组成部分，然而我国现有的音乐专业高校严重的`缺乏爵士钢琴音乐专业人才，这对我国爵士钢琴音乐产生了重大的影响。为此，我国应该广泛的吸纳优秀的爵士钢琴音乐人才，并且大力的引进外来的专业人才。同时要加强与外国先进爵士钢琴演奏者的交流。一方面可以组织我国专修音乐的学生去国外对爵士钢琴音乐进行深造，另一方面，国家应该提倡高校邀请专业的人员进行讲座，这样不仅可以让学生学到丰富的爵士钢琴音乐，也让他们在潜移默化中感受到外国的教育理念。
（二）爵士钢琴音乐的课程设置
现有的高校音乐教学中对于西方古典音乐的重视远远超出了爵士乐，甚至在课程设置上都慢慢的弱化爵士钢琴音乐。针对于现在我国缺乏对爵士钢琴音乐的重视，我国应该建设一批专门学习爵士钢琴音乐的院校或者专业。鼓励高校开设爵士钢琴音乐发展史和理论学习的课程，同时将这些课程作为音乐专业高校的选修课程，加强学生对于爵士钢琴音乐的实践。音乐教师应该在作曲、和声等可以加入爵士钢琴的教学中，尽量加大对于爵士钢琴音乐的应用，让学生感受爵士音乐教学的魅力，进而培养出具有音乐实践能力和研究能力的专业人才。
三、结语
由于文化差异等诸多因素的影响，在我国爵士钢琴音乐远远比不上西方古典音乐的地位。然而，面对爵士钢琴音乐特有的艺术特征和存在价值，我们必须建立更加多元的教育体制，一方面要加强学生对爵士钢琴音乐的掌握，一方面要不断的融入自己民族的特色，只有这样才能使爵士钢琴音乐在我国得音乐中更加具有竞争力。
浅谈钢琴音乐教学论文
一、加大多媒体技术在钢琴音乐教学中的应用
随着多媒体技术在教学领域的深化发展，钢琴音乐教学中也可以积极引入多媒体教学模式，多媒体教学模式不但有利于调动学生的学习积极性，还可以将各种枯燥的理论知识具体表现出来，这样更有利于培养专业的钢琴人才。首先，钢琴理论课程的教学中通常是多人的大课堂，大课堂的空间距离决定了教师在进行具体理论知识教学时很难通过具体的钢琴弹奏来实现，因为坐在后面的学生无法真切地看清楚教师的具体操作，因而教师可以利用多媒体技术将书本中涉及到的理论知识结合具体的教学视频表现出来，这种形象的教学模式更有利于加深学生对具体的理论知识的理解，从而对其长远的钢琴学习有极大的帮助。其次，教师可以利用多媒体更频繁地播放国际范围内的钢琴名曲，一部钢琴名曲在不同的钢琴家的演奏下会形成不同的风格，因而教师可以为学生打开探究的窗户，为学生提供更多地探究与思考的时间，通过观察每位钢琴家的演奏视频，学生能够总结出更多自己的观点，这对其钢琴音乐的发展有极大的助益，形成了自己的音乐思维的学生更容易成为专业的音乐人才，钢琴方面也同样如此。
二、推出远程教学模式
随着互联网技术的飞速发展，网络已经成为社会发展中不可或缺的信息获取途径与交流方式，新时期的`钢琴音乐教学也可以以此为契机推出现代化的教学模式，即远程教学。在钢琴音乐教学中，很多学生会因各种原因而无法赶回学校上课，因而教学中学校可以推出远程教学，让学生通过远程视频进行课程的学习。远程教学模式需要在专业的摄影技术的辅助下才能实现，首先在教师中需要架设多台摄像设备，通过调整焦距来将钢琴音乐教师的整个课程教学活动录制下来，这样学生便可以通过远程教学的形式掌握最新的钢琴教学内容。其次，远程教学过程中会将钢琴音乐教师的教学内容具体录制成教学视频，教师可以将这些视频传输到专业内公共的网站上，这样没有理解或掌握教学内容的学生可以直接从网站上下载下相应的教学视频，通过这种自主学习与研究的方式更有利于推进学生在钢琴音乐学习中的全面成长。最后，远程教学模式也可以开启一对一的专业指导模式，通过互联网钢琴音乐教师与学生可以进行有效的沟通，除了理论知识的教学，学生还可以进行实际的钢琴弹奏演练，而教师可以对其进行具体的指导。
三、结语
钢琴音乐教学是音乐类专业的重点教学科目之一，由于传统教学模式的弊端越来越明显，所以教学工作中钢琴音乐教师有必要结合自身的教学经验在新时期的时代背景下探究新的教学模式，从而推进钢琴音乐教学工作的全面展开。文章结合现代社会发展特点，将多种数码科技融入到钢琴的音乐教学中，希望这些新型的教学模式能够在钢琴音乐教学中发挥积极的作用，从而为我国钢琴音乐教学事业的全面发展提供科学与技术方面的支持。
钢琴音乐艺术特点探析论文
一、以主调音乐创作为主
主调音乐是多声部音乐的一种，整部音乐作品都围绕其中某一声部进行，在大多数情况下这一声部属于高音部，其它声部则以和声或者是伴奏的形式做衬托作用。主调音乐的特点是音乐旋律较为简单，创作者感情的表达较为明显，听众能够很好的融入其中并了解创作者的内心世界。和声虽然只起到衬托作用，但却是主调音乐创作的基础，对音乐的创作有着重要的意义。中国钢琴音乐从最开始的《和平进行曲》到萧友梅的《哀悼引》，到新中国和成立后王建中创作的《梅花三弄》、黎英海创作的《夕阳箫鼓》等都是典型的主调音乐，创作者以民族化的创作手法，将以五声音阶为主干的七声音阶旋律同三声音阶旋律相结合，运用婉转多变的节奏凸显出作曲家对中国大好河山的热爱与眷念，音乐展现在听众面前的是一幕幕美如诗画般的自然风景，各种音乐元素的转换使得音乐旋律的变化起伏有致。
二、音乐以民歌、古曲、戏曲为创作素材
中国优秀的作曲家充分挖掘并利用中国传统民间音乐，不仅发展了音乐的民族化，给民族音乐赋予的新的内涵与精髓，也为凝聚民族力量、推动社会的发展做出了许多贡献。由中国传统民间音乐改变而成的钢琴音乐，不仅在音乐素材上与传统音乐极为贴近，在音乐结构上也采用了具有中国特色的.编曲方式，使音乐形象更加丰满。王建中的《军民大生产》就是由同名歌曲改编而来，它的创作原型是陇东民歌《推炒面》；《山丹丹花开红艳艳》也改编自同民歌曲，它的创作原型是陕北民歌《当红军的哥哥回来了》与《女孩担水》；周广仁的《陕北民歌主题变奏曲》改编自陕北民歌《三十里铺》；后期不少备受好评的钢琴音乐如《兰花花》、《正月新春》、《解放区的天》都是以陕北民歌为创作素材，刘庄的《钢琴变奏曲》、尚德义的《喜丰年》、崔世光的《山东民俗组曲》等都是以东北民歌为创作基调。这些根据多地民风民俗改变而成的钢琴音乐在很大程度上维持了作品的原貌，在延续中国传统音乐的基础上也赋予了这些音乐新的含义。
三、钢琴音乐模仿民族乐器
中国钢琴音乐的创作是以中国长达几千年的音乐沉淀为基础，创作者对中国民间乐器的模仿是不可避免的，后来对传统乐器的模仿逐渐成为了钢琴音乐创作的重要手段。中国钢琴音乐作曲家利用各种不同的手段模仿弹拨乐器、吹拉乐器、打击乐器的音色，使得钢琴音乐拥有了中国民间音乐的韵味与意境。《梅花三弄》、《阳关三叠》就是模仿的弹拨乐器，作曲家通过钢琴不同的表现手法在钢琴音乐中再现了古琴声，曲中分别用钢琴的琵音、依音、和旋模仿古琴的单散音、滚拂散音、复散音，在音乐中听众可以感受到古琴带来的空旷之感；《冀北笛音》则是模仿的吹拉乐器，创作者同样通过钢琴不同的演奏手段再现笛子的各种声音特点，通过钢琴的各种装饰音来模拟笛声的颤音、滑音、花舌音等，在钢琴音乐中听众可以品味到笛子所创造的飘渺悠远之感；黎英海的《夕阳箫鼓》综合性模仿较为显著，在这首钢琴音乐中听众可以听出箫、古琴、琵琶、古筝等各种民族乐器的声音，箫声的悠远绵延、古筝乐的清晰圆润、琵琶声的慷慨激昂等都通过钢琴不同的演奏手法完好的展现出来。对中国民间音乐的模仿不仅使钢琴音乐有了不同的韵味与意境，同样对中国民间乐器的传播也作出了不小的贡献。
四、旋律与和声具有中华民族特色
中国钢琴音乐旋律的调式大都采用民族五声调式，就如黎英海的《蓝花花》、《采茶扑蝶》、《三十里铺》、《嘎达林海》、《绣荷包》等，这些钢琴音乐在旋律上多次用了转调，并且融入了许多地区的音乐元素，使得作品的民族化氛围更加浓烈。中国审美讲究中庸。追求神似，就如中国的水墨画一样，追求意境深远，中国钢琴音乐就继承了这一审美理念，创作者内心的激昂在那线条旋律中表现得一览无余。黎英海的《夕阳箫鼓》中有一段就是用连绵起伏的大乐句线条来表现月夜的美丽，其中的伴奏选用弱音，由此同大乐句相结合营造出一种朦胧飘渺的氛围，更加凸显了夜色的美妙。中国钢琴音乐的创作大都选用了具有民族特色的旋律，作曲者传承了中国审美中以清丽色调表现激昂情感的思想，刻画出一幅幅生动的自然景观。
五、总结
钢琴在中国是一种“舶来品”，它在音调、音色等方面同中国传统民间乐器都有较大的差别，但正是这种具有强大表现张力的乐器赋予了中华民族音乐不一样的意蕴。中国钢琴音乐经历了几百年的创作之路，已经逐渐走向成熟，作曲家仍在通过不同的技法与手段对其进行革新，中国钢琴音乐别样的艺术特征在今后的发展中定会有不一样诠释，它对中国音乐文化内涵的体现也将更加全面。
成人教育学院音乐专业钢琴课堂教学的主要对象大多为在职的中小学音乐教师及艺术文化系统的骨干。他们既不同于高等艺术院校钢琴专业的本（专）科生，又有别于社会上业余学习钢琴的成人音乐爱好者及儿童。这个特殊群体在钢琴学习上有其自身的特点及优劣势。那么，成人教育音乐专业的钢琴教学有何特色？如何使这类学生学好钢琴？根据我几年来关于成教生钢琴教学的经验及研究，逐步探索出了一套较为行之有效的教学方法，本文想就此问题提出一些个人浅见。
一、了解教育对象，扬长避短、因材施教
成教学院音乐专业学习钢琴的学生，他们大多接受过中等师范音乐教育，酷爱音乐和钢琴艺术，但总体来说钢琴水平不是太高。同时，由于其生理、心理、知识、阅历、能力等方面的特殊性，使他们的钢琴学习既有优势又存在不利因素。优势表现为：1。从年龄上看，他们都是成年人，在理解力、观察力及自我控制力方面较儿童有明显的优势，且学习的主动性、创造性、毅力较强。2。学习过基本的音乐理论知识，具备一定的钢琴演奏基础。3。他们大多工作过，阅历丰富，常有针对性地带着问题走进课堂，对知识的渴求欲强。但是，对于成年人学习钢琴来说，也有许多不利因素：1。从生理和心理上看，成年人骨骼已基本定型，手指的灵活灵敏度较差，此外，记忆力开始减退，甚至年龄偏大者反应较慢。2。大部分同学在演奏中总有种种毛病，且因错误形成时间过久，比较顽固，不易改正。
了解掌握了成教生钢琴学习的现状特点及优劣势，就应在教学中针对其学习的特殊性，充分发挥其优势，做到从实际出发、扬长避短、因材施教。这样才能更好地调动学生的积极性，收到事半功倍的效果。
二、在加强主要技术训练的基础上注重音乐表现
在成人教育学院学习钢琴的学生，无论程度深浅，总是存在着这样那样的基本功或音乐表现方面的问题，总体来说演奏不够规范，缺少音乐感染力。这与他们大多学琴较晚、教师教学不够规范及为了应付考学突击拔高等原因有关。很多同学基本练习和练习曲接触得很少，演奏时只是单纯的“照本宣科”，毫无音乐表现可言，这给我们的教学带来了很大的困难。对此，有人认为成教生无需强调基本练习、练习曲的训练，那会耽误他们的时间。但几年教学实践证明，基本功训练是非常重要的。技术是音乐的基础、手段和工具，如果没有这个基础，就不可能高质量地完成一部作品，音乐表现就更无从谈起。但成人基本技术的训练又有其自身的特点：1。要侧重最根本、最基本问题进行针对性的练习。如五指的抬动、穿指、音阶、琶音、腕臂的放松等。2。可根据每个学生的弱点有目的地选择练习曲，针对某一技术难点进行训练解决。3。因成人的生理特点，较之儿童可较早地开始踏板的运用、和弦及八度技术的练习等。
在加强基本功训练的同时，教师在教学中还要注重对学生音乐表现能力的培养，要告诉他们钢琴演奏的最终目的还是为了表现音乐，展示音乐的魅力，要将技术与音乐感觉结合起来，完美地将作品音乐风格表现出来。
三、合理选择教材，因人而异、按需施教、注重实效
由于文中前面所提到的成教生学习钢琴的现状特点及其学习的特殊性，决定了对他们的教学不能如儿童一样完全循序渐进，一本书、一本书地进行，必须因人而异、因材施教地制订学习计划，合理选择教材，做到按需施教、注重实效。例如在教学中有的学生八度技术不好，就可多练一些训练八度技术的练习曲或乐曲，如《莫什科夫斯基练习曲NO。9》、门德尔松的《猎歌》等。有的学生手指的灵活性不够，就可多弹一些音阶跑动类的练习曲。有的学生乐感较差，演奏缺乏音乐感染力，可多布置一些有深刻寓意的标题音乐，帮助他们分析、理解音乐所表现的内容，启发他们的音乐想象力，挖掘其潜在的音乐感觉。总之，要根据学生的弱点进行合理的教材选择，不可千篇 一律。同时要注重理论联系实际，着重培养学生的实际应用能力，即突出实用性，重视个别性。
另外，在教学中还可采取精弹与泛弹相结合的教学方法。即布置完成的作品要有“精弹”和“泛弹”之分。精弹的作品要求学生从技术和音乐风格两方面仔细掌握、熟练演奏，甚至背奏。而泛弹类作品要求可相对放宽，只要求学生浏览、了解，去欣赏、分析作品。如此做来，既节省了时间，保证了进度，又能使学生较为扎实地掌握所学内容，避免了一味地跳进所造成的疏漏。
四、注重对学生音乐知识的传授及音乐素质、修养的培养
在成人钢琴教学中注重对学生音乐知识的传授和音乐素质、修养的培养是尤为重要的。它既可以发挥成人理解力强、理性思维强、有一定文化基础的优势，促进其演奏水平的提高，又在其日后的工作中具有很强的实用性，可谓一举两得，不容忽视。但这并不是要求教师拿出专门的钢琴课时去给学生补习和声、曲式、中外音乐史等课程，而是应把这些知识融入在平日的钢琴教学中，应在钢琴课中就学生演奏的具体作品讲解相关的音乐术语、乐理、和声、曲式、作曲家风格特点、作品所处音乐时期的音乐特征、体裁风格等知识。使理论与实践同步、与实践结合，做到以知识（理论）引导行动（演奏），而行动（演奏）又以知识（理论）为依据。这样有助于学生从理论角度更深层面上去理解所演奏的作品，进而有助于演奏水平的提高。
另外，教学理念绝不能局限在就钢琴论钢琴，就音乐论音乐的狭小范围内，还应和美术、文学、舞蹈、戏剧、建筑、哲学等学科相结合，做到各学科门类间的融会贯通。要鼓励学生多听、多看，学生通过这些启发欣赏、触类旁通，自然就会提高对所演奏作品的理解及审美鉴赏能力。这种学科间的相互渗透，开阔了他们的视野，同时也达到了培养其音乐素质、修养的目的。
五、突出实用性，注重对成人学生实际应用能力的培养
成教学院音乐专业的同学，他们学习钢琴一般是由于工作教学或艺术实践的迫切需要，在工作教学实践中他们深刻体会到了键盘乐器的重要性。尤其是音乐作品分析鉴赏、视奏、伴奏、钢琴教学等能力在工作中非常实用及重要，是衡量他们工作能力的重要标准。并且我们的培养目标不是钢琴演奏员，而是具备高素质能力的中小学音乐教师及基层艺术文化系统工作者。因此，在对成教生的钢琴教学中，教师不应只注重对学生钢琴演奏技能的教授，而更应突出实用性，重视对学生实际应用能力的培养，应把音乐作品分析鉴赏、视奏、伴奏（尤其是歌曲即兴伴奏）、钢琴教学法等融入在平日的钢琴教学中，二者结合相信才会取得更好的教学效果，为其今后的音乐教育及艺术实践工作打下更为坚实的基础。
六、与“成人教育”相结合，采用科学适当的教学方法
对成人教育学生的钢琴教学，既不能完全等同于高等艺术院校钢琴专业的本专科生，又有别于社会上业余学琴的.成人音乐爱好者，更不同于儿童的钢琴教学。对这类学生的教学应结合其自身的特点优势，抓住“成人教育”的特点，采用科学适当的教学方法，具体可以概括为以下几点：
1。采用启发引导的教学方式，运用合理适当的教学语言。在教学中应发挥成人学生理解力、主动性强的优势，采用启发引导的教学方式，贯彻以教师为主导，学生主动学习的原则，避免“填鸭式”的教学方法。在教学语言的选择上，要根据成人自尊心和自卑心理强的特点，注重“情感教学、循循善诱”，要在与学生平等交流的基础上和蔼示人、耐心施教，将情感教学贯穿于整个教学过程中。
2。为每个学生制订教学计划，并可适当采用“课题式”的教学方法。为了避免教学的随意性、跳跃性和盲目拔高及更好地因材施教，教师在授课前应为每个学生制订相应的教学计划，做到心中有数，灵活掌握。此外，根据成人学生有一定音乐理论基础的优势，可以在教学活动中适当采用“课题式”的教学方法，即每堂课分专题概括地讲授。如：某类技术的训练、节奏训练、踏板的运用、乐曲的体裁风格等，分课题进行教学。
3。采取“个别课”与“小组公开课”相结合的授课方式。在坚持“一对一”个别课的授课方式基础上，适当采取“小组公开课”的授课方式进行教学。这样既解决了钢琴教学中“个性”的问题，又可以解决“共性”的问题，是一种非常科学适用的教学方法。
4。经常组织艺术实践活动，为学生创造锻炼机会，既可以使同学间互相观摩学习、交流经验、取长补短，又可以锻炼他们的心理素质和临场应变能力。
综上所述，与高等艺术院校钢琴主科专业教育及儿童，成人音乐爱好者普及性教育相比较，成人教育钢琴教学有其特殊性。我们在教学中一定要结合“成人教育”的特点，做到因人而异、因材施教、扬长避短、注重实效，一切从实际出发。只要教学方法得体，教材选用适当，勇于探索，逐步形成一套适合成人教育钢琴教学的全新教学模式，相信一定会取得良好的教学效果！
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维也纳古典时期著名钢琴作品风格及演奏浅析论文
内容摘要：本文通过对维也纳古典时期三位具有代表性的作曲家在不同创作时期的音乐风格演变与实际作品的分析，阐述了在进行钢琴演奏时对音乐作品背景的分析要具有不同的层次性。
关 键 词：古典 风格 演奏
自17第一台钢琴问世以来，经过几个世纪的发展，钢琴艺术终于达到趋于完美的境界。回顾3来漫长的钢琴音乐发展史，钢琴以它独特的艺术魅力吸引着无数作曲家投身于钢琴作品的创作之中，也因此给世界音乐文化留下了一大批宝贵的财富。本文主要以维也纳古典主义乐派的三位代表性作曲家――海顿、莫扎特、贝多芬的代表作品为研究对象，具体对其音乐作品的艺术内涵及演奏风格进行探析与研究。
古典主义器乐创作原则的奠基人――海顿
约瑟夫・海顿（F.J.Haydn，1732―1809）被誉为“交响乐与弦乐四重奏之父”。海顿在长期的创作实践中，奠定了古典主义器乐创作的原则，即鲜明的民族特点与深刻的哲理性和完美匀称的艺术形式相结合，并建立了由四个乐章组成的古典奏鸣曲形式结构。海顿的音乐风格经历了两个时期，1771年前海顿的器乐创作偏重于娱乐性，注重表面的华丽特征，由于受到1771年启蒙运动思潮的影响，这之后的作品风格有了较大的转型，他创作了较多严肃的、富于戏剧性和深刻抒情性的音乐作品。下文对其风格转变前后的两首代表作品进行分析：
在1770年创作的《C大调奏鸣曲》V.U.48①（Hob②．XVI―35），因收录在《小奏鸣曲集》中，而被广泛取用在学习或学生表演会上。乐曲旋律优美，给人十分可爱的印象，演奏者在演奏时要精心提炼出颗粒均匀而又圆润的音色，充分显示出该曲朝气蓬勃、精神抖擞的神情。左手的三连音伴奏，要轻巧、舒畅。该乐曲虽然规模精巧，但已初步具有奏鸣曲式的结构原则，并洋溢着海顿明朗热情的性格。
海顿创作风格转型后，于1789创作的《bE大调奏鸣曲》（Hob.XVI―49），各声部主题像问答式的彼此呼应，以一种相互交谈般的所谓“谈话原则”组合在一起，这样既凸显出清晰优美的旋律，又不失复调音乐的美。在节奏方面，从弱起小节开始，弹奏时要注重乐曲轻快富于弹性的节奏感，体现出爽朗淳朴的民间气息。
海顿的音乐旋律丰富，节奏活跃，气息悠扬，富有幽默感，在演奏时要注意感情表现上的分寸。
情感与明亮细腻钢琴技巧的融合――莫扎特
沃尔夫岗・阿玛德乌斯・莫扎特（W.A.Mozart，1756―1791）在他短暂的35年里共创作了75卷作品，其中有18首钢琴奏鸣曲、15套主题变奏曲、27首钢琴协奏曲。莫扎特的音乐心灵极其敏锐而又多彩，但总是表现得质朴自然。他的一生虽然历经坎坷，却用音乐去歌颂人性的美好，一直追求着光明和幸福，因此欢乐明朗是他作品的基调。
莫扎特钢琴奏鸣曲的创作可分为两个时期：早期1774―1776年，共创作了6首钢琴奏鸣曲，作品中明显存留着海顿的影子，作品倾向于法国罗可可时期的音乐风格，具有秀丽、典雅、细腻、精巧的特点，乐风轻盈，手法简洁，带有宫廷韵味，“这种音乐风格富于装饰性，崇尚雅致优美”③。莫扎特的风格成熟期，即1777―1788年，共创作有12首奏鸣曲。这一时期的创作在艺术内容和形象上更加丰富，有复杂的即兴性、有内涵的悲剧性、有淡淡的哀怨、有无奈的寂寞，也有飞扬的激情、乐观的幻想；在织体写作中，一方面保持主调音乐的基础，曲中也不乏出现复调性因素；另一方面加强了节奏的变化和复杂性，如左右手的“三对二”或“四对三”，增加了演奏的难度。
在莫扎特的钢琴奏鸣曲中，最著名的是A大调奏鸣曲K．331,也是莫扎特风格成熟时期的代表作之一，该曲无论形式还是内容，都是“与众不同”的。第一乐章是优雅的行板，采用变奏曲式，第二乐章是中庸的小步舞曲，第三乐章“土耳其进行曲”，主要取材于当时在巴黎十分流行的.东方音调，从a小调开始，中段加入具有意大利美声花腔般的快速十六分音群的跑动，以A大调雄伟有力的八度进行结束，始终充满着激情和欢快的气氛。
莫扎特的变奏曲有15首，大部分作品取材于当时的流行歌曲，并把这些歌曲的旋律作为变奏的主题，其中流传最广的应属被称为《小星星变奏曲》的这一首，根据《啊，母亲，我要告诉你》这首歌曲改编而写成，由十二段变奏组成，讲述了一位情窦初开的少女想把自己的初恋告诉母亲的忐忑不安的心情。钢琴协奏曲中，以《A大调钢琴协奏曲》K.488较为突出，这首具有歌剧式风格的协奏曲，洋溢着莫扎特春天般的清新，阳光般的温暖。
有人说，莫扎特的作品是含着眼泪的微笑，以表现内心的感情居多。尽管生活中的失意和挫折始终伴随着他，但他的创作却充满了深情和温馨。因此在弹奏中要有极为严格准确的分寸、细致精微的处理，含蓄典雅而不冷漠放纵，严谨庄重而不死板轻浮，音色要明亮、清脆、颗粒性强，保持纯洁、清晰的音乐形象。
古典主义音乐的延伸――贝多芬
路德维希・范・贝多芬（L.Van.Beethoven，1770―1827）是世界音乐史上的一位巨人。他一生坎坷，18已完全失聪，他在苦难中度过一生，崇高的思想、卓越的技巧使他的作品既具有古典音乐中强调形式结构的美感，又拥有浪漫派音乐中的真切感情，并对以后19世纪欧洲音乐的发展产生了深远的影响。
贝多芬的钢琴作品体裁丰富，他非常重视钢琴奏鸣曲的创作，把它们放在同交响曲一样重要的地位上。在海顿、莫扎特时期，只是把钢琴奏鸣曲当作教学中的一种教材和形式，而贝多芬却倾注了大量的心血和感情创作奏鸣曲，使它成为艺术表现的重要手段。当时，钢琴在音域、音量、音色等性能方面的不断的完善，使得它具有更宽广、更富戏剧性的表现效果。
贝多芬创作的32首钢琴奏鸣曲，在西方音乐史上占有极其重要的地位，这32首钢琴奏鸣曲大致分为三个时期：
1800年以前的作品（作品No.2―No.22）这些早期作品显示了贝多芬注重古典传统作曲技法，但也不乏看到他在曲式结构中的变化，以及八度和弦的广泛运用，突变的转调技法和具有雄伟性格的乐思，这一切都预示了他音乐风格的成熟与发展。
1801―18的作品（作品No.22―No.90）是贝多芬创作的旺盛期，这期间的奏鸣曲展现了丰富多彩的音乐风格和艺术形式，产生了如《月光》《黎明》《热情》等一批著名的钢琴作品，在作品中充分发挥作曲家本人的创作构想，出现了富于独创性的乐段，如《葬礼进行曲》《幻想风乐章》《最缓慢板乐章》，等等。在这些作品的第一乐章，都融入了贝多芬所独创的戏剧性风格，表现出英雄性和自然性的特征。如：作品f小调Op.57的《热情》、作品D大调Op.28的《田园》。
1814年以后的作品（即最后五首奏鸣曲）晚期的这些作品中都蕴含着贝多芬在与生活、命运斗争之后的思想，曲式结构更加庞大，具有史诗般的特征，充沛的感情和深刻的哲理得到了淋漓尽致的发挥，体现了这位音乐大师炉火纯青的艺术境界。
《悲怆》奏鸣曲Op.13是贝多芬早期作品的代表，是贝多芬于1792年创作的，这首乐曲体现了青年时的贝多芬不屈服于命运的不公和人生的坎坷，向社会发出强烈的不满和反抗的呐喊，同时也反映了他对美好生活的向往和追求。乐曲音调庄严、情绪激昂，体现了贝多芬初期作品的音乐风格，虽然在一定程度上仍受到海顿、莫扎特等人的影响，但随处可见的独特创意，以及充满生机的旋律，跳跃多变的节奏，都是贝多芬音乐中所独具的魅力。
《月光》奏鸣曲Op.27No．2创作于18，是贝多芬最流行的钢琴奏鸣曲之00一。其标题是一位诗人在贝多芬死后根据自己的印象为这首奏鸣曲命名的。这首奏鸣曲大胆地改变了传统奏鸣曲的写法，第一乐章是慢板，右手用均匀的三连音缓慢地奏出分解三和弦，情绪显得沉重、压抑。第二乐章小快板，用一首小步舞曲作为短小的过渡。第三乐章是快板（奏鸣曲式），这是全曲的高潮，情绪奔腾宏伟，以狂热突进的方式，钢铁般的节奏进行，表达了贝多芬暴风雨般的炽烈感情。贝多芬这一时期的创作风格已日趋成熟，追求形式上的完美和内容的深刻性。
《热情》奏鸣曲Op．57号完成于18，在18由出版商起名为《热情》。这是一部规模宏大、气势磅礴的作品。创作这首奏鸣曲时，是贝多芬同耳聋搏斗的时刻,他将自身顽强的斗争精神、深厚的思想感情、深刻的悲剧色彩都融入了这部作品的创作中，使它成为一部不朽的巨著。列宁在听了《热情》这部著名的奏鸣曲之后曾说：“我不知道还有比《热情》奏鸣曲更好的东西，我愿每天都听一听，这是绝妙的、人间所没有的音乐！”④
结束语
以海顿、莫扎特、贝多芬三位伟大的作曲家为代表的维也纳古典乐派，在创作中放弃了形式的华丽，强调艺术中真、善、美的统一。在这段时期，奏鸣曲式经由海顿的确立，以及莫扎特、贝多芬的不断发展完善，完成了它较为稳定的结构原则。和声功能的不断完善，调性关系体系的不断发展，构成了以主调音乐代替巴洛克时期复调音乐为主体的音乐结构。同时，音乐的思想性也十分生动，把刻画“人”的感情作为作品重要的艺术表现手段。海顿、莫扎特、贝多芬的钢琴作品，是世界钢琴文献中不可多得的宝贵财富，具有无穷的价值和永恒的魅力。在演奏一部音乐作品时要对其有不同层面的了解：不仅了解古典音乐时期的整体文化背景与音乐风格，还要对具体某位作曲家在不同时期所创作的作品内涵，及其风格演变的趋势有全面的了解；不仅要了解音乐作品的形式美，还要了解作曲家创作该作品时的创作动机。法国科学家布封曾说“风格即人”，只有在演奏前充分掌握作曲家与音乐作品的风格特点，才能形象地表现出作品中所蕴含着的真情实感。
参考文献：
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[3]《海峡两岸工业设计研讨会论文集》，岭南美术出版社，20
[4]林家阳著《林家阳的设计视野――设计创新与教育》，三联书店，205月
钢琴音乐元素及电影音乐契合策略论文
电影是典型声画一体的影像艺术。伴随音乐与电影的不断发展，电影音乐在电影中发挥的作用日渐凸显，特别是对塑造人物、渲染影片氛围以及彰显电影主题等，都发挥着重要作用。钢琴音乐凭借纯净的音色、质朴的旋律，强有力地配合了电影情节的发展、主要人物形象的刻画以及情感的演绎，实现了对电影的最好诠释。电影从无声画面进入到有声时代后，带给人们全新的观影感受，电影音乐自然发挥了不可替代的重要作用。钢琴音乐凭借其对观众的感染力、艺术呈现力，在展示电影旋律、衬托剧情等方面，发挥了无可比拟的作用。因此，实现钢琴音乐元素与电影音乐的契合，将更好地提升电影的艺术气息与表达效果。
一、钢琴音乐元素在电影音乐中的现实价值
首先，钢琴音乐元素凭借丰富的文化内涵，利于充分表达电影内容。钢 琴 音乐不仅能 变 得轻松安静，也能立即澎湃汹涌，将自然界中的事 物通 过乐符再次呈献给广大听众，钢琴音乐能表现得淋漓尽致，从这里可以看出，钢琴是电影音乐的重要表现工具，艺术表达能力强烈，是推动电影音乐发展的重要条件。最初，钢琴在西方是用来演奏古典音乐，这是西方典型的音乐艺术表征，是欧洲历史积淀、人类艺术创作主体的艺术表达，钢琴音乐在音乐表达上呈现出独特的能力，在演奏中，能给人以美的享受，因此，钢琴演奏音乐运用到电影中，能获得宽阔的发展空间，并呈现出更好的音乐魅力，为电影制作人员提供帮助。[2]所以，电影音乐中作为电影的有机组成部分，是电影中活跃的因素，在电影情节中起到情绪表达的作用，有序推动电影故事时间，属于电影中独到的美感体现。从这里可以发现，音乐是电影不可或缺的重要组成部分，能更充分地表达电影内容，提高电影情节自身的叙事功能，塑造生动感人的角色，让观众在感官方面获得更高的艺术享受。其次，钢琴音乐元素能实现更深刻的艺术表达。钢琴音乐在表达听觉艺术的同时，也能抒发人们的真实想法，比如海滩、阳光等，这些与钢琴强大的音域及乐曲表现能力紧密结合在一起，钢琴能给人们提供艺术享受。钢琴乐曲在情节、空间以及虚拟环境等方面能给人们营造唯美场景，享受音符的围绕的美感，展示钢琴音乐之美。电影借助画面与声音，让人们了解电影表达的意境。画面呈现的良好视觉效果，将电影主题进行重塑，电影音乐自然充分利用音符对人的心理、情感激发，配合画面体现更为深刻的艺术表达，让观众能自然而然投入到影片中，钢琴音乐借助其强大的艺术感染力，能更清晰地表达电影的故事情节，并给观众带来全新的艺术享受。
二、钢琴音乐元素在电影音乐中的表现形式
（一）表达电影的情感趋势
电影注重同电影故事相结合，完成情感表达。情感内容表达方式较多，电影音乐是科学的选择，将音乐作为情感表达路径，不仅有助于展现电影的艺术魅力，也能推动电影故事情节发展。电影中常见的情感表达是引入钢琴音乐，充分借助钢琴音乐表达力，展示电影中的情感变化，在观众中产生震撼力。
（二）艺术形象更为完美
钢琴演奏风格对乐曲表达产生至关重要的影响，所以，在电影中尝试引入不同风格的钢琴演奏风格，能进一步扩大钢琴音乐的空间，进而塑造更多感人的艺术形象。电影画面中融入不同的电影演奏风格，能让观众从视觉、听觉等所呈现的内容与电影所表达的艺术思想相符合，尝试将钢琴音乐也融入到电影音乐中，实现两者相互补充，更好呈现电影的丰富内涵。比如《私人订制》在开头引入的巴赫平均律钢琴曲，为观众呈现出浓郁的巴洛克艺术气息，定格了时代画面，塑造各式人物形象，更能体现钢琴音乐在电影中的艺术表现力，让艺术形象更符合电影主题要求。
（三）提高电影的艺术表现张力
一般来讲，电影音乐与钢琴音乐元素相结合，往往需要从电影剧情的发展需要，去选择合适的钢琴音乐，在合适的时间内使用钢琴音乐来进一步深化电影的剧情发展。唯有如此，才能让电影画面和钢琴音乐形成综合性的视听艺术形象，能为观众带来基于自身审美情感需要之上的艺术体验。钢琴音乐在电影内的内涵表达，往往是借助艺术品位来全面提高电影的艺术品位。从电影的相关要素来看，将钢琴音乐注入电影音乐中，形成更为新颖的艺术表达，对观众来讲更方便接受，也能获得好的观影期待。[4]比如《不能说的秘密》主人公演奏改编的黑键练习曲等，在电影中呈现经典钢琴作品，能提高电影艺术表现张力。此外，电影音乐包含电影与音乐两个相对独立的艺术体，其能独立去开展艺术表达，然而，两者的结合往往能带来更大的艺术享受。电影音乐充分利用音乐来展示电影艺术，将更深层次的东西表达出来。所以，在电影艺术中，钢琴音乐作为艺术表现手段，呈现出强烈的艺术张力，让电影艺术多方呈现出美学底蕴，让观众在欣赏电影的同时，不仅能感受到艺术魅力，也能在心灵上产生共鸣，借助钢琴音乐优势渲染电影的艺术氛围，形成音画一体的艺术情景，呈现出各类人物，并将其与剧情有机结合起来，升华电影主题，让钢琴音乐更好融入到电影中，形成强大的艺术感染力。
三、钢琴音乐元素与电影音乐契合的思路
（一）吸收钢琴作曲技法，展示传统民族音乐文化
伴随电影音乐对电影艺术的推动，其表现形式逐渐往民族化方向发展，这让我国民族传统文化、民族特色实现传播，建立具有本民族特色的音乐文化风格，电影音乐对民族风格音乐的发展来讲，也起到积极推广作用。一般来讲，民族风格属于某一民族在国家、环境、经济等综合因素长期影响，逐步创建的具有思维、语言、风俗等方面的风格，这是伴随历史的发展，文化之间的交互交流的.加深，其展示不同民族、时代及人物环境，因此，电影音乐所呈现出来的民族风格是多元的，然而，这一多元能通过电影的表达方式去推动民族风格音乐的推广及传播。通观国内外的电影市场，国外电影中配的电影音乐，这些音乐的不断冲击国内电影音乐市场。[5]为此，不能盲目崇拜，甚至是模仿国外音乐去为我国电影服务，这样就不能很好展示具有中华民族特色的传统音乐风格。所以，不能只追求华丽制作，需要了解自身的优势所在，了解民族的根本所在，充分利用民族传统音乐的优势实现扬长避短，实现正确的扬弃，将历史文化元素使用音乐形式和电影中的情节有机结合，展示民族传统音乐中独有的电影音乐。随着电影音乐逐渐朝多元化、民族化方向发展，配乐的核心是去展示传统民族风格的特点。钢琴自身拥有模拟多种声音的天然优势，依靠声音的强弱变化、节奏的改变、音色高低等让民族特色在钢琴音乐的表现得更富有魅力。要全面汲取现代作曲创作技法和民族传统音乐文化特点或者是乐器表现形式相结合，通过钢琴来实现为中国电影配乐，将我国的历史、文化及民间音乐元素等通过这一形式，在市场上实现更好推广，将音乐特色全面呈现出来，演绎钢琴音乐的独到艺术魅力。
（二）从电影音乐自身需求出发，科学确定钢琴表达效果
不同电影音乐需要不同的电影音乐类型。比如，电影表达的主题是历史方面的，就可以运用民间音乐对其进行配乐，如果是关于现代城市生活的，就可以使用现代、通俗的元素为电影音乐进行配乐。电影音乐所需要的音乐是多元的，这使得电影音乐市场需求较大，不同类型的电影音乐素材能为不同类型电影开展配乐，出现好的表达效果，即便在同一电影所需要的音乐素材对其开展配乐，电影情节发展不同阶段所需要的音乐效果也不一样，所以，音乐材料在推动电影音乐发展方面发挥了重要作用。[6]钢琴音乐本身呈现出独有的艺术魅力，是常见独奏乐器，集古典、活泼及高雅等于一体，不仅能表现深邃的思想，也能传达极为丰富的情感。钢琴通过音色、音高、音符等的变化，能模仿并展示出不同音乐材料的效果。尝试将电影画面和钢琴音乐相结合，让观众视线视听有机结合，感受到钢琴音乐的艺术魅力，全面融合了电影的内涵表达，其所展示的艺术表达效果，也加快了钢琴电影音乐的市场化进程，尤其是和中国其他类型的电影音乐相结合，丰富了不同音乐素材的表现形式，更能展示电影音乐的艺术感染力。
（三）注重运用现代音乐科技，钢琴音乐表达更到位
电影音乐在电影中呈现之前，都要经过录音工艺处理，这样让能让人从听觉上去更好感知乐器的音色，将其作为电影某一部分的主要音色，经过录音工艺处理之后，能突出某一乐器音色的作用。与此同时，经过录音工艺处理之后，能调节不同乐器之间的和谐，让音乐不会因为几件乐器之间的不协调，借助先进的录音技术，让音乐之间实现融合与平衡，让人们在进行音乐欣赏时，能产生悦耳感。经过录音工艺处理之后的音乐，能让音乐和电影中的气氛、人物性格、情节等的结合更为紧密，通过对音色、音响等进行全面技术处理，让电影音乐更好为电影服务。从当前的技术发展情况来看，钢琴音乐的传播需经过录音技术的完善。因此，注重运用现代音乐科技，有助于进一步使钢琴音乐表达更到位。
（四）丰富钢琴音乐元素在电影音乐中的运用技法
首先，直接在电影中出现钢琴音乐演奏画面。出现钢琴演奏画面直接在电影中出现，比如《不能说的秘密》中大量出现钢琴直接演奏的画面，这些钢琴音乐进行了创新之后的再创作，比如主人公演奏的钢琴作品是根据巴赫平均律C大调的前奏曲进行改编的。男主人公通过演奏肖邦的作品，进一步提升了电影的艺术表达品位。其次，播放钢琴音乐作品。钢琴音乐表现手法多元，播放钢琴音乐作品，能起到推动故事情节发展的积极效果。比如《夜宴》的主题曲《我用所有报答爱》，塑造主人公形象更为丰满。最后，善于使用钢琴音乐去表达电影情感。在电影《钢的琴》中，介绍了父亲为了帮助女儿实现追求音乐的梦想，通过不断努力，在友人的大力支持下，使用钢铁为女儿打造钢的琴，流露出感人至深的亲情。因此，丰富钢琴音乐元素在电影音乐中的运用技法，能丰富电影的表现手段，更能提高电影艺术魅力。总之，钢琴音乐元素在电影音乐中的现实价值，钢琴音乐元素不仅凭借丰富的文化内涵，利于充分表达电影内容，也能实现更深刻的艺术表达，此外，钢琴音乐元素在电影音乐中的表现形式，主要有三类，分别是表达电影的情感趋势、艺术形象更为完美、提高电影的艺术表现张力。所以，实现钢琴音乐元素与电影音乐的契合，不仅要吸收钢琴作曲技法，展示传统民族音乐文化，从电影音乐自身需求出发，科学确定钢琴表达效果，也要注重运用现代音乐科技，提高钢琴音乐表达更到位，强调全面丰富钢琴音乐元素在电影音乐中的运用技法，提高电影艺术的感染力与影响力。
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音乐钢琴教学的民族化思考论文
一、加强钢琴民族化的教育思想观念
要想从根本上改变目前的教学状况就要从教育观念上做出彻底的改变，中国文化受西方影响是非常大的，在很早的时候，八国联军入侵的时候西方文化就逐渐的传入了中国，一些传教士逐渐的分布到中国各地，进行各种思想文化的传播，从多方面麻痹中国人的精神，其中也不乏一些音乐文化的传播。当时的钢琴教学的方法一般也是来自西方，人们当时学习钢琴也都是按照西方的基础教学模式来进行的，这样的思想观念一直影响人们。所以说，目前我国的钢琴教育中，对民族文化的宣扬和发展力度还不够，虽然中外文化需要进行交流和传播，但是也不能忽视了民族文化的发展。在教学的过程中，要从根本上改变教师和学生的思想，重新认识一些具有民族特色的音乐形式，在钢琴教学中应该尽量的让学生更多的了解这些民族化的曲风和曲目，让教师和学生真正的重视起来，传承和发扬民族音乐文化。
二、增加钢琴教学中的民族曲目
根据目前的教学状况来看，一些高校音乐的钢琴教学中用到的教学曲目中民族曲目是比较少的，这对于民族音乐文化的学习是非常不利的。在教学的过程中一般都是使用一些西方的经典曲目作为教学内容，偶尔涉及一些民族性质的音乐曲目，这使得学生大多数的时间是在学习西方文化，对于民族文化并没有深刻的了解。其实中西方的音乐文化是有着很大的差异的，中国的音乐文化注重意境和音乐内涵的表达，在形式和手法上都不同于西方的音乐。民族化的音乐文化具有自身的特点，在音阶和音调上都是比较有特色的，并且在演奏手法上也是一些西方音乐曲目中涉及不到的，通过学习这些民族化的音乐曲目学生能够了解到更多的中国文化，掌握更加精湛的弹奏技巧，并且通过对民族音乐文化的学习能够吸取更多的知识，在教学的过程中应该多增加一些具有民族特色的音乐曲目，让学生在学习的过程中对东西方的’音乐文化进行对比分析，可以更加透彻的了解到音乐文化知识。
在教学的过程中加入民族曲目对于学生的发展来说也是非常重要的，在钢琴学习的过程中教师可以有意识的对学生进行钢琴指法的教学，更加全面系统的学习音乐知识。比如，在钢琴教学中，教师可以增加这些音乐曲目，例如陈培勋的《平湖秋月》，这是一首比较典型的中国传统音乐，属于地方乐种，该作者是一个有着深厚广东音乐素养的作曲家，该乐曲描绘的是月下的湖光水色，营造了一种淡泊悠远、虚无缥缈的意境，在广东地区是比较著名的一首钢琴曲。这首乐曲通过钢琴来进行演奏，将那种湖面波光粼粼的意境通过钢琴演奏的形式表现的淋漓尽致，能够让学生了解更多的民族文化。还有《兰花花》《浏阳河》《翻身的日子》等中国传统的钢琴曲目，这些都是可以增加到教学中来的，拓宽学生的知识范围。
三、培养学生的民族乐感
音乐学习首先要让学生掌握民族乐感，在钢琴学习中学生要对具有民族特色的文化进行更加深入的了解，在教学的过程中教师要有意识的培养学生的民族乐感。音乐的构成要素主要分为几个方面，大体上可以分为律制、节拍节奏、音高体系、结构体系等几个方面，中国是一个多民族的国家，在音乐表现的形式上也是不相同的，每个民族都是具有各自的特点的，所以说在学习的过程中，学生要逐渐的掌握各个民族的音乐特点，形成一定的民族乐感。乐感并不是天生的，而是可以通过后天的训练而逐渐形成的，需要教师在教学的过程中不断的对音乐的形式进行分析，逐渐让学生掌握民族音乐的演奏形式，并且探寻其中的规律，这样才能够逐渐的在学习的过程中形成乐感。比如，在比较柔和的乐曲中，比如《百鸟朝凤》，这原本是一首民间唢呐曲，唢呐独有的表现形式，正好能够表现出百鸟争鸣的那种画面，能够表现出大自然的和谐和欢快的气氛。
这些改变成钢琴曲之后，也能够惟妙惟肖的表现出来。像比较柔和的音乐曲目在结尾的时候一般最后一个音都是比较平和的，但是一些气势上较强的曲目如《义勇军进行曲》一般在结尾的时候都是比较铿锵有力的。对于不同的音乐风格学生要学会对尾音的控制，逐渐的形成一定的乐感。总而言之，随着高校音乐教学的发展，钢琴教学的民族化成为一种必然的发展趋势，在教学的过程中要从根本上改变教师和学生教育观念，重视民族化的钢琴音乐教学。另外在教学中应该多增加一些民族化的音乐曲目，一些经典的民族曲目要引入到课堂教学中来，让学生均衡对东西方文化的学习，弘扬和传承民族文化。
在教育教学中，教师还要有意识的对学生的乐感进行培养，通过不断的接触和练习再加上教师的培养，学生能够逐渐的发现民族音乐的一些特点，从根本上提升自身的音乐素养。
1钢琴音乐教育与社会音乐文化之间的干系
钢琴音乐教育与社会音乐文化的传播密不可分，两个表现的事物高度的发展关系在一定层次上相互促进，具体的表现的形式：第一，文化传播与教育二者互相保持着协调发展的逻辑关系，相互可持续的促进，都属于社会音乐文化领域，都受到音乐文化的传播的限制，立足于自身体系的建立和高度的发展，有着各自不同的社会分工，相互促进，相互转化，这个关系使它们直接或间接的形成互动的必然性。第二，社会的音乐文化传播有着自身的理性的逻辑元素蕴含其中，表现在是音乐教育的文化基础，是促进其发展的重要动力。
由此看来，音乐教育与社会的音乐文化传播是密不可分的，脱离社会音乐文化传播的背景，音乐教育是难以继续发展的，同时缺少音乐文化的基础，音乐教育的传承更是遥遥而不可实现的。
2钢琴音乐教育和社会音乐文化
虽然钢琴音乐教育在不断改革以适应新环境下的变化，但实际上我国在音乐教育方面做得并不够好。这种不完善除了包括政策方针、教育体系等之外，也有很大一部分体现在与社会音乐文化互动的缺失。
2.1钢琴音乐教育中的因素和社会音乐文化的干联
钢琴音乐教育最主要的影响的因素是在教育过程中的设备硬件的搭配的关系。这两个方面对音乐教育和社会音乐文化都有着不同程度的影响，对它们两者的互动也有着巨大的影响，同时，这种影响也不是单方面，往往是双向。
钢琴音乐教育有着突出的三要素的特征：音乐教师、音乐教材、音乐设备，同时也是最重要的三个部分。首先音乐教师在音乐教育中扮演着植树人的角色，通过音乐教育的手段将音乐的基础知识专业知识传播给下一代。所以，作为引领者音乐教师必须首当其冲地融入社会音乐文化中，设身处地的感受社会音乐文化，对社会音乐文化要进行批判性的汲取。其次，音乐教材的内容直接表现出音乐的中心思想，也是学生最先接触的音乐文化。所以，在音乐教育的过程中协调搭配好互相彼此的关系，在教学的过程中，要充分考虑学生的因素。音乐教学过程中的软件配置是保证音乐教学质量的重要的因素。这些要素彼此影响、彼此制约，彼此配合，增进音乐教育的蓬勃发展。可以将社会音乐文化适当融入这些要素中，用来促进音乐教育与社会音乐文化的互动。
2.2钢琴音乐教育与社会音乐文化互动的深入分析
社会音乐文化起源于古代时期，承载着人类悠长的汗青和厚重的文化，经由多年的文化变化仍然生生不息。中国有上下五千年的悠久历史，也有五十六个文化各不相同的民族，不仅如此，每个时期的每个民族都有着自己的文化发展轨迹。综合起来，文化的发展轨迹对音乐的发展历程有着深深的作用。
钢琴音乐教育作为基础教育不仅仅改善人们的思想水平，音乐对于社会建设也有着深远的影响。音乐教育对于社会的文化发展，促进人们思想素质的提高有着重要的现实作用。离开音乐教育，学生的精神教育将会不完整，综合素质的能力将会出现短板，对精神食粮的要求也会降低，不利于学生的全面均衡发展。
3加强钢琴音乐教育与社会音乐文化互动的对策
对于加强钢琴音乐教育的教学方式有着很多种的方法，要加强教育过程中的音乐互动的环节，要做到教育主体间的双向教育互动，对传播过程中的音乐文化要以批判的眼光来看待，对待文化的差异要高度的认同，扩大音乐文化传播的范围。音乐教育对社会音乐文化要高度的渗透，这是快速融合的发展的过程，也是相互促进发展的’基础所在。
将社会音乐文化引入到钢琴音乐教育中：钢琴音乐发展的过程也是民族音乐不断走向成熟的一个过程，需要将本民族的音乐文化因素融入其中，丰富本国的音乐文化内涵，加强民族音乐的教育，引领民族文化发展的趋势，把民族的精神融入民族音乐之中，既有音乐文化的传播，也有对民族精神的深刻理解。
同时，流行音乐也属于社会音乐文化的范畴。流行音乐大多数的商品化的音乐，在引入之前需要对其进行分析、辨别，将其中的积极部分融入音乐教育当中。在音乐教育的过程中，加强流行元素对学生的熏陶。我们可以将流行音乐的音乐和基本常识融入钢琴音乐教育中，同时也可以加入流行音乐乐器的教授，提高学生的学习兴趣。
4结语
社会音乐文化传播离不开音乐教育的发展，钢琴音乐教育作为社会音乐文化教育的一种主流形式对于陶冶学生情操，促进其人生观、价值观的形成有着重要的作用。钢琴不仅仅是一种音乐旋律演奏的乐器，更是一种音乐文化传播与交流的一种重要载体，对于促进我国音乐文化格局的形成有着重要的作用。
关于面向朝鲜半岛的汉语国际教育这方面研究，汉语国际教育这个专业在国外的开展和研究比我们早很多，但是各个国家对这个学科的研究与建设存在很大差异，学科建设还不成熟。汉语国际教育专业在我国从建立到发展三十多年的历史，所以对于学科和专业建设还是在发展和完善中，近年来由于中国经济的迅猛发展，汉语国际教育也增添了新内容，孔子学院成为汉语传播的新途径。但是无论怎么发展和建设，汉语国际教育的核心是教学研究，国内对该学科的研究还在争议中不断发展和完善。
一、研究价值
汉语国际教育专业上世纪80年代开始出现，目前全国开设该专业的学校超过300所，并且高校的专业设置逐年增加，加上社会诸多培训机构的汉语教学，汉语国际教育教学可谓遍地开花。但是其中设置对韩汉语方向的院校，或者说人才培养明确面向朝鲜半岛的只有两所：延边大学和辽东学院。然而延边大学的对韩汉语招收的是母语为朝鲜语的学生，所以从专业方向设置和看，辽东学院面向朝鲜半岛的汉语国际教育在全国尚属首例。本课题的研究意义是在迅速发展的汉语国际教育专业中寻找到一条适合本地区地方特色、能够发挥地域优势的新途径，促进辽东学院汉语过教育专业的科学发展，提高学生的社会竞争力，最大程度发挥教育的创新作用。同时，有效完成中国文化传播的责任和义务。
二、研究现状
关于中国文化传播的研究，近年来随着孔子学院的不断建立，文化传播和推广研究著述开始涌现。尽管对外汉语发展了三十多年，汉语国际教育尚处在发展初期，但是“汉语国际推广”概念自提出至今历时不足十年，其间研究成果颇丰。由于对外汉语最初的发展都是面向英语语言的国家，所以英语语言国家的文化推广也是这个专业研究的主要方向。近年来，汉语国际教育开始关注小语种国家，一些小语种国家的汉语推广以个性化的教学研究成为汉语国际推广的新内容。即便这样，不管是面向英语语言国家，还是面向小语种国家，以语言为切入点进行研究的较多，而基于文化和文化对比进行的研究的成果还是不多的，特别对朝鲜半岛的文化研究，基本的方向是面向韩国，而对韩国的研究又是近年“韩流”对中国的影响居多，中国对朝鲜半岛的文化和文化对比研究是比较弱的。
目前辽宁省开设对外汉语专业的学校有十所，招生分两类，一类是招收留学生，成立了国际交流中心；一类是招收母语为汉语的对外汉语师资，其中辽大、沈师、大外和辽东学院既有国际交流中心，又有招收母语为汉语的对外汉语专业。在对母语为汉语的汉语国际教学中，人才培养主要围绕对英语语言环境的汉语师资。课程设置基本是语言和文学的架构，语言以汉语为本体、英语为工具。只有辽东学院是对韩汉语师资。所以从专业方向设置上，辽东学院的对外汉语（对韩汉语）具有区位和地缘特色。
三、研究界定
面向朝鲜半岛的汉语国际教育与中国文化传播研究，研究对象是汉语国际教育，这里既包括面对中国学生的培养对外汉语师资的汉语国际教育，也包括面向留学生的汉语教育，研究范围定位于面向朝鲜半岛，同样，这里既包括“请进来”的朝鲜半岛学生，也包括已经和即将“走出去”的中国师生。由于地域优势和地缘特色，本论文的研究载体是辽东学院汉语国际教育专业和国际交流中心留学生。中国文化传播是汉语国际教育专业教学和专业建设发展的基本出发点，如何在专业建设和教学中有效传播中国文化，以及中国文化传播的内容、途径和策略是本论文对研究核心的基本界定。
四、研究目标
整体设计一个适应朝鲜半岛发展需要的具有地域特色的中国文化传播建设方案，促进专业持续发展，增强专业建设内涵，发挥专业桥梁作用。以辽东学院汉语国际教育专业和国际交流中心汉语教学为载体，以面向朝鲜半岛的汉语国际教育为研究对象，以面向朝鲜半岛为研究方向，以汉语国际教育文化传播为研究目标，以中国文化传播的内容、途径和策略为研究核心，以达到中国文化有效传播的理论和实践相结合的研究。
五、研究内容
中国文化传播的内容研究：在汉语国际教育教学的“一体两翼”模式下拓展跨文化交流的内涵，建设以语言为媒介和工具、以技艺为形式和纽带、以知识为理念和目标的文化传播的内容。包括语言工具传播：作为文化的载体，语言与语言教学是汉语国际教育的基本任务；文化知识传播：作为文化传播的目的，传统文化知识是传播的主要内容和理念；文化技艺传播：作为文化的形式，具有代表性的中国传统艺术是文化传播的纽带；生活世相传播：作为文化的表现，进行发展中的民风民俗传播。
中国文化传播的途径研究：由于丹东地区毗邻朝鲜半岛，“走出去”和“请进来”相结合的文化传播是既符合国家战略，也具有地域特色的最直接和有效的途径。针对培养汉语国际教育的师资，“走出去”国家汉语推广战略的主要形式，作为第一个建立“孔子学院”的国家，韩国目前已经有16个孔子学院，汉语教育非常广泛。如何利用现有的资源让我们的师生“走出去”是这部分的研究内容。建立语言交换生基地、创设教师交流平台、实施专业交流机制等多渠道途径是本部分的主要思路。针对朝鲜半岛来丹东的人员，“请进来”是主要途径，针对这部分学员对中国文化接受和认可需要一个感知、观光、震颤、修正、拒斥、接纳的复杂的系统过程，无论是何种汉语学习的目的，我们都从语言基础教学到技能掌握，从日常交流到文化接受，建立语言学习基地、技能培训基地、文化交流基地是主要途径。
中国文化传播的策略研究：运用跨文化传播和跨文化交际的策略：从文化的异质性入手，缩短文化距离，避免文化冲突，打破单一文化的思维模式进行传播。运用中国和朝鲜半岛文化对比的策略：从中国传统文化的发端和影响的对比角度进行文化传播。根据学习对象和学习目的不同的差异教学策略：由于本课题中华文化传播的对象不同，进行汉语教学时候运用因材施教的策略。
六、研究视角
跨文化传播的视角：汉语国际教育本身是进行跨文化的传播和交际，但是在“汉文化圈”背景下的面向朝鲜半岛的汉语教学又具有异质文化的同构、同源不同流的特点，所以这种跨文化传播又区别于其他中国文化传播。
中朝韩文化对比的视角：在“汉文化圈”的大背景下，作为中国文化传播的内容，语言文化、礼仪文化、民俗文化、服饰文化、饮食文化、教育文化等等，无论是语言教学中，还是技艺传授中，运用对比的方法，异中求同，同中见异。
七、研究思路
这个研究明确定位于具有实践意义的理论研究，并遵循以下主要原则：理论研究与实践探索研究的研究思路；以行动研究为主的实践研究策略；以汉语国际教育专业和国际交流中心留学生为载体和研究对象的研究进程。
近年来，中国在国际政治、经济等诸多领域显示出的重要作用使汉语走向世界成为大势所趋，越来越多的国家将汉语教学纳入正常的学制中，而汉语国际推广作为增强国家软实力的一项事业，其发展势头持续强劲。针对目前国家文化“走出去”的战略，在汉语国际教育教学的同时，着力加快中国文化的对外传播、扩大中国的国际影响力以及拓展国际间的文化交流是必要的，也是国际新形势下的重要问题。丹东地处中国和朝鲜半岛边境，近年与韩朝的经贸、教育往来愈加频繁，本论文旨在运用地缘优势，进行更有针对性的、适应朝鲜半岛需要的、切实可行的文化传播研究，为汉语国际教育输送优秀人才，为繁荣边境文化寻找更多新思维，为中国文化的推广和传播提供新动力。
浅谈中等职业学校的钢琴音乐教学论文
一、对中等职业学校钢琴音乐教学现状的概述
随着经济的不断发展, 社会的不断进步, 国家的不断建设, 中高级技术人才越来越被大家所需要。在社会招聘中, 中高级技术人才供不应求, 因此中等职业教育已经成为教育界的重要组成部分, 越来越多地为社会输送着一批又一批的人才。但是在目前看来, 社会普遍都只重视中等职业学校的文化课教学, 却忽视了音乐钢琴方面的教育。传统的教育方式已经不足以适应当今社会就业的需求, 中等职业学校应该积极响应国家的号召, 改革教育方式, 培养出适应社会发展的新型人才。而音乐钢琴教学作为中等职业学校的一门学科, 任课老师们不仅肩负着教书的责任,更肩负着育人的重大使命。
二、对中等职业学校钢琴音乐教学问题的分析
(一) 对教育对客体——学生的分析
要做好教育, 首先要了解学生, 这样才能事半功倍,取得良好的效果。首先, 我觉得中等职业学校关于音乐钢琴的教育应该从学生入学时的文化素质、思想素质、专业素质入手, 切实了解每个学生对于音乐和钢琴的’认知、学习态度, 以及未来希望自己如何去发展个人的爱好。让他们能够真正融入到音乐的学习中, 用心去感受音乐带给他们的美好。
(二) 对教育主体——教师的分析
中等职业学校中钢琴音乐的教育不同于其他方面的教育, 它不仅需要学生在声、音、思、情、感等方面配合,同时也需要我们的老师付出一定的努力。在教学过程中,老师可以讲一些音乐家不怕困难努力奋斗的事迹, 以此来激励学生奋发向上。例如, 听贝多芬的交响曲的同时, 老师可以讲授一下贝多芬的事迹, 让学生感受贝多芬不惧困难, 顽强地同命运做斗争的生命历程, 了解贝多芬的优秀品质, 激发起学生昂扬的斗志与不屈的精神, 也使他们树立正确的人生观和价值观, 成为对社会对国家有用的栋梁之才。
( 三) 对教学环节的分析
新时期的人才不仅要学习能力超强, 而且还要有健康的心理素质和创新精神, 做到可全面持续发展。中等职业教育对于钢琴音乐的教学虽然也在不断创新, 但是在教学的内容、方法、形式、教材等诸多方面还存在严重的缺陷,不能很好地让学生了解音乐, 感受音乐。在教学手段的使用上, 也比较拘于传统, 如不能很好地利用PPT 或者是多媒体这些现代化设施, 这就难以调动学生的兴趣, 影响了教学效果, 也阻碍了学生的全面发展。
三、对中等职业学校钢琴音乐教学的几点建议
(一) 用现代的教学理念来指导钢琴音乐教育
例如在教学中, 老师可以用PPT 将音乐作品的作者和背景资料介绍给学生, 让学生在听音乐的同时, 能更真切地了解作者的创作心理, 对于音乐产生更深层次的理解。一些音乐欣赏课可以适当增加多媒体的配合, 让学生在欣赏音乐的同时, 通过视频短片, 对历史、对社会、对文化有更深入的了解, 可以调节课堂气氛, 让学生喜欢上钢琴音乐这门教育。
(二) 不能让音乐钢琴教育作为中等职业学校的一门教育课程的补充
中等职业学校的学生正处于青春期, 还不得不面对巨大的生活、学习等压力, 此时更需要老师来引导他们应该怎么面对生活, 怎么做人, 做事, 等等。老师在给学生授课的时候, 切不可认为钢琴音乐课就是其他专业课程的一种补充, 是无关紧要的, 抱着混日子的态度给学生上课。要明确钢琴音乐课对于学生来说, 是同样重要的一门文化课程, 教师在课程的教学中, 不仅在传授音乐专业知识,更是在培养学生的专业素养, 完成重要的德育教育。
四、结语
钢琴音乐教学在整个中等职业教育乃至整个教育界,都占据着举足轻重的重要地位。首先它是所有艺术教育的中间环节, 它不仅能为社会输送音乐方面的人才, 并且也为学生继续学习音乐起到很好的铺垫作用。其次, 这门课程对于学生性格的形成, 以及培养学生的创新精神和审美情趣, 树立正确的人生观、价值观, 使他们勇于面对生活挑战, 乐观地生活等都具有非常重要的作用。综上所述,我们应该认真对待中等职业学校的音乐钢琴教学。
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